卸下日常步調，讓心境在乾爽中沉澱
假日的意義，從來不在於安排了多少行程，而是終於能將外在世界的喧囂徹底隔絕。當您踏入客廳，卸下整週累積的緊繃與疲倦，最渴望的不過是一處能讓心境乾爽著陸的庇護所。傳統布簾容易積聚毛屑與塵埃，而作為理想的寵物友善窗簾，MYT 百葉窗以細緻俐落的幾何結構，為您與愛寵築起了一道輕盈而安心的防線。
在濕氣瀰漫的季節裡，它優雅地隔絕了空氣中的潮意，任憑窗外風雨交加，室內依舊維持著如絲綢般乾爽與宜人的膚感。光滑高規的材質無懼毛孩的日常蹭抓與灰塵堆積，大幅簡化了繁瑣的日常維護。微微調整葉片的角度，清爽的微風順著精心設計的縫隙輕盈地遞進來，帶走了空間裡的沉悶與雜味，預告著一段與寵物共度的慵懶時光。
輕撥葉片角度，班馬線光影裡的慵懶嬉戲
在精心規劃的MYT 百葉窗中，日光從來不是刺眼的威脅，而是家中最奢侈的軟裝裝飾。當室外灑落著耀眼陽光，這扇懂光的百葉窗便能將強烈的直射光，淬鍊得極其柔和而細緻。
在當代藝術的璀璨星空中，草間彌生的名字代表著一種將個人深層創傷轉化為普世視覺能量的傳奇。當我們漫步於台北人文薈萃的台北藝廊，或是追尋各大指標性展覽的足跡時，總能在一幅幅充滿重複圖騰、鮮豔色彩與圓點張力的創作前，感受到她對抗命運的強悍意志。
對抗恐懼的創作與精神避難所
草間彌生（1929–）出生於日本長野縣松本市的一個富裕家庭，但她的童年卻是一場陰影。家庭內部關係極度緊張，母親性格嚴厲且暴力，並強迫年幼的草間去跟蹤有外遇行為的父親，這些經歷讓她對性與肉體產生了終身的恐懼與厭惡。
大約從 10 歲起，草間開始產生幻覺。她看見桌布上的紅色花紋蔓延到牆壁、地板，甚至攀爬上自己的身體，整個世界被無數的圓點與網紋所吞噬。在那 個對精神疾病缺乏認知的年代，母親認為這只是逃避家務的藉口並變本加厲地責罰。為了求生，草間拿起畫筆將這些令她恐懼的幻覺記錄下來。對她而言，創作不是為了美，而是為了「不自殺」。
在二十世紀初慘烈的戰火中，一場旨在顛覆傳統、嘲弄理性的藝術風暴橫空出世。當我們今日穿梭於人文氣息濃厚的東區藝廊，或是追尋各大藏家一致首選的畫廊推薦展事時，常能在一幅幅充滿異材質拼貼、現成品重組與觀念衝擊的作品前駐足。這種敢於挑戰美學邊界、將荒誕化為力量的思潮，正是深深重塑現代美學的達達主義。
發起年代與背景：戰壕歲月裡的憤怒咆哮
達達主義誕生於 1916 年的瑞士蘇黎世。當時第一次世界大戰正進行到最慘烈的階段，數百萬青年在戰壕中毫無意義地犧牲。在保持中立的瑞士，一群流亡的藝術家與詩人感到極度的絕望與憤怒：如果所謂「理性的文明」最終導向了慘絕人寰的殺戮，那麼「理性」就是謊言，基於理性的古典美學更是虛偽。他們決定用荒誕、胡鬧、不合邏輯的狂歡，來猛烈回擊這個瘋狂的世界。
命名由來：隨機的牙牙學語
關於「達達」（Dada）的命名有多種傳說，最著名的版本是：藝術家們在蘇黎世的伏爾泰酒館（Cabaret Voltaire），隨手拿出一把裁紙刀插進德法辭典裡，刀尖正好指向「Dada」。在法語中，這指的是「木馬」；而在德語中，這只是嬰兒無意義的牙牙學語。這個名字本身沒有任何含義，而這正是他們所追求的——「達達不代表任何東西」。
鳳簫聲動，玉壺光轉：繁華深處，許自己一處東方靜謐歸居
The Song Dynasty Aesthetics in Wulin Residence
莫聽穿林打葉聲：一卷輕紗，攬盡煙雨山河
The Harmony of Mountain and Water
水光灩瀲晴方好
雲端築夢 ‧ 靈魂棲所
在最貼近天空的地方，輕輕收納台北的晨光與夜色
當晨光刺破台北的層雲，抑或微醺暮色降臨、萬家燈火在腳下漫成星海，位於城市心臟的這座高空居所，便以一百三十坪的浩瀚胸襟，將靈魂安放在最貼近雲端的地方。這不僅是一座俯瞰繁華的高空居所，更是淬鍊時光的精神棲所。設計師以「都會新貴」為筆，將當代建築的俐落輪廓，融入東方「靜觀萬物」的深邃意境。全景落地窗宛如一面歲月長鏡，攬台北101與浮雲漫霞入懷，讓空間與時間在極致的奢華裡，交織出最優雅的對位。
水墨舒展 ‧ 輕撫微醺
推開門那一刻，所有的匆忙與喧囂都留在了門外
三宅一秀藝術策展團隊 撰
三宅一秀藝術中心（Show Art Gallery）於9月26日（六）至10月23日（五）舉辦「記憶與夢土」周成樑、蕭北辰聯展，本次展覽由三宅一秀策展團隊所規劃，收束了對兩位藝術家在視覺藝術上的感知方式與表現形式，策展團隊表示，在本次展覽的核心上聚焦於平面繪畫作品在媒材與內容上的探究，希冀可以透過這兩位藝術家，將更具當代性的視覺系統體現給觀眾，也順勢讓展覽開枝出更多元觀看、理解的方式。
「記憶與夢土」周成樑、蕭北辰聯展展場照片。圖/三宅一秀攝影
在這次的展覽中，藝術家周成樑的作品延續了過去積累豐厚的感悟與經驗，以其對傳統山水的理解，不斷深造風景畫所內涵的形與貌，作品既展露出雅緻的文風，同時也不失細節中浮現的逸趣。而藝術家蕭北辰的作品則是取樣於旅途與日常紀錄的影像，透過媒材的特性與技術的運用，創造出曖昧不明的畫面感受，同時藝術家表示自己對記憶的理解，更傾向它是一種凝膠狀的物質，會隨機被塑成為主觀的記憶。這過程中的覆蓋、游移、重建與破壞…等，也都轉譯為藝術家在平面上表現記憶的一種方式。
9月21日首場開講！DECO雜誌首創AI工具箱，54項生成功能串聯建築、室內、景觀、軟裝與影片應用
當空間美學遇上人工智慧，設計創作迎來更多可能。DECO雜誌社長林淑華帶領DECO AI團隊，首創「DECO AI工具箱」（Deco AI Toolbox），整合54項AI生成功能，並於9月21日正式展開DECO AI課程，透過現場示範與實作，帶領學員探索AI融入設計工作的應用方式。
開課首日，學員帶著筆電投入學習，講師透過投影畫面進行操作說明。目光往返於大螢幕與個人電腦之間，專注聆聽、動手練習的課堂情景，呈現設計工作者接觸新工具的積極態度，也讓AI從抽象概念走進實際操作。
DECO AI工具箱以空間設計需求為出發點，涵蓋建築、室內、景觀與軟裝應用，並延伸至圖像處理及影片生成。平台將操作整理為「選擇任務、放入素材、調整方向、生成與下載」四個步驟，以一致的介面串聯生成流程，協助使用者探索風格、發展視覺構想，為提案溝通提供更多表現方式。
從工具開發到課程實作，DECO雜誌將設計媒體的視野延伸至學習現場，讓美學與科技有了更具體的連結。AI能協助拓展靈感、加快視覺嘗試，而成果的取捨與空間需求的掌握，仍仰賴設計者的專業判斷。此次課程以實作開啟探索，期望讓生成工具逐步融入日常工作，成為創意發展與設計溝通的助力。
水墨杭州 ｜ 幾許清歡，盡在微光留白處
解構山水之骨，以宋詞之婉約，撫平歲月喧囂
Poetic Dwelling in Jiangnan: Where Song-Style Elegance Meets Modern Solitude
在二十世紀初的藝術浪潮中，沒有任何一個流派像未來主義那樣，以近乎狂熱的姿態擁抱科技與變革。當我們今日穿梭於人文薈萃的台北藝廊，或是追尋各大藝術機構與藏家一致首選的畫廊推薦展事時，常能在一幅幅充滿幾何線條、張力與速度感的創作中，感受到這股震撼世紀的美學餘波。
與過去決裂的時代咆哮
未來主義起源於 1909 年，由義大利詩人馬里內蒂（Filippo Tommaso Marinetti）發表《未來主義宣言》拉開序幕。當時的義大利正深陷於對輝煌古文明（羅馬、文藝復興）的沉溺與包袱中，年輕一代感到無比窒息。
與此同時，電燈、電話、汽車與飛機正以驚人的速度改變人類對時間與空間的感知。這群年輕創作者渴望徹底與過去決裂，張開雙臂擁抱充滿活力、機械感甚至是殘酷激烈的現代生活。
對未來的絕對信仰
在眾多繪畫媒材中，若有一種藝術語言能將水分的流動、空氣的輕盈與光的折射表現得如此靈動自如，那非水彩莫屬。這種依靠水份導引顏料在紙張纖維間渲染的技藝，不只是對手部控制力的極致考驗，更是將瞬間光影轉化為永恆情感的感官體驗。
當我們走訪蘊含濃厚人文氣息的東區藝廊，或是參考藝術愛好者一致首選的畫廊推薦清單時，總會被那些層次豐富、透亮如光的精彩水彩創作所吸引。這種追求「一次到位」的流動美學，正為當代都市生活的節奏帶來一股清冽舒暢的靈感。
從地圖草圖到光影史詩
水彩作為一種繪畫手段古已有之（如中世紀手抄本插畫），但作為一門獨立且成熟的藝術媒材，則確立於 18 世紀的英國。
當時無特定發明人，但經由保羅·桑德比（Paul Sandby）以及光影大師威廉·透納（J.M.W. Turner）等人的開創，定義了現代水彩的語言。水彩盛行於英國、德國與美國，早期多用於戶外風景速寫、植物圖鑑與旅行紀錄，演變至今已成為現代藝術創作中不可或缺的核心媒材。
在台灣近代美術發展的璀璨脈絡中，若要尋找一位能將東方氣韻、科學寫生與本土關懷完美融為一體的藝術巨匠，那無疑是林玉山（1907－2004）。當我們漫步於台北都會的人文心臟──質感溫潤的東區藝廊，或是追尋資深藏家指標性的畫廊推薦地標，往往能在那些融合精緻工筆與奔放寫意的作品中，感受到他一生提倡「寫生即生命」的深遠影響。
從裝裱店少年到國寶級大師
林玉山出生於嘉義，家裡經營名為「風月堂」的裝裱店。在藝術環境的長年薰陶下，他自幼便接觸大量的傳統書畫，打下了極其深厚的筆墨功底。1926 年，他前往日本進入東京川端畫學校進修，並於 1927 年與陳進、郭雪湖一同入選首屆「台灣美術展覽會」，轟動當時藝壇，三人自此被譽為「台展三少年」。
林玉山的一生經歷了日治時期的東洋畫嚴謹訓練，以及戰後傳統國畫與本土美學的交流撞擊。他在台灣師範大學美術系任教數十年，始終將「寫生」視為繪畫的靈魂。他曾深情地說：「繪畫不是照抄自然，而是要觀察自然、領悟自然，最後才表現自然。」這種從「真實觀察」昇華至「心靈意境」的轉化過程，貫穿了他近一世紀的浩瀚創作生涯。
氣韻與寫實的交融者
在西方美術史的壯麗長卷中，若有一種媒材能將藝術家的肉身極限、化學的精妙反應與建築的空間結構完美結合，那無疑是濕壁畫。這項古老而神聖的技藝，不只是在牆面作畫，更是讓色彩成為建築骨肉的一部分，共同抵禦數百年的風雨歲月。
當我們步入講究空間張力與人文深度的台北藝廊，或是尋訪資深藏家一致推崇的畫廊推薦地標，往往會被那些帶有粗糙、溫潤礦物肌理的壁畫創作所震撼。這種將藝術與特定空間牢牢綑綁的浪漫，正是濕壁畫跨越時空帶給當代都市的永恆啟示。
米諾斯黎明與文藝復興巔峰
濕壁畫的雛形最早可追溯至西元前 1750 年的米諾斯文明（克里特島），但其技術的藝術巔峰，則是在 14 至 16 世紀的義大利文藝復興時期。
