設計盒子DESIGN BOX

在當代攝影與視覺藝術的殿堂中，美國藝術家辛蒂·雪曼（Cindy Sherman）以其獨樹一幟的自拍演繹，深刻顛覆了世人對觀看、性別與身份的認知。她從不拍攝他人，只拍攝自己，但她的作品絕非一般的自我紀錄，而是一場場精心編排的演戲與社會實驗。當我們走訪都會人文薈萃的台北藝廊，或是尋訪藝術愛好者熱烈討論的畫廊推薦空間時，總能感受到雪曼這種將「自我化為鏡像」的當代思潮所帶來的震撼與啟發。

生平故事與「角色扮演」的迷戀

辛蒂·雪曼（1954－）出生於美國紐澤西州，在一個平凡的郊區家庭長大。不同於許多藝術家強烈的個人創傷經驗，雪曼的創作動力源於從小對「角色扮演」的熱情。她熱衷於翻找二手衣物，將自己打扮成截然不同的角色。在布法羅州立學院學習繪畫時，她發現攝影能比繪畫更即時、精準地捕捉這種「變身」過程，因而放下畫筆，拿起相機。

1970 年代末期雪曼移居紐約，當時正值大眾媒體與流行文化膨脹發酵的年代。她把自己關在工作室裡，既是導演、演員、化妝師，也是唯一的模特兒。這種極度私密卻又最終指向社會公共性的影像，讓她在 1982 年獲紐約現代藝術博物館（MoMA）肯定，並在隨後數十年裡持續引領全球視覺藝術的討論。

擬仿、挪用與怪誕的解構

在藝術史的演進長河中，若有一項技術能打破宮廷與貴族對藝術品的獨佔，讓美學如種子般廣泛撒落大眾生活，那無疑是版畫。這種結合雕刻工藝、化學原理與機械重壓的媒材，不只是視覺影像的傳播媒介，更是藝術走向民主化與大眾化的璀璨里程碑。

當我們今日走訪台北質感濃厚的東區藝廊，或是參考藏家首選的畫廊推薦名單時，總能在許多帶有俐落線條與複數美學的版畫作品前駐足。版畫以其獨特的視覺張力與親民的收藏特質，持續在當代藝術市場中扮演著不可或缺的角色。

從經書插畫到印刷革命

版畫技術源遠流長，木刻版畫約於 8 世紀（中國唐代）萌芽，並於 14 世紀普及於歐洲；銅版畫則於 15 世紀中葉崛起。

版畫並非由單一發明者獨創，而是跨文化的集體智慧結晶，但阿爾布雷希特·杜勒（Albrecht Dürer）與林布蘭（Rembrandt）等大師將其提升至至高無上的藝術高度。版畫曾風靡於德國、荷蘭、義大利與日本（浮世繪），廣泛應用於書籍插畫、宗教畫傳播、政治諷刺畫與地圖繪製，並自 15 世紀一路引領風潮至今。

在二十世紀初的台灣藝術史上，陳進以獨樹一幟的細膩筆觸與優雅韻味，刻畫出時代女性的尊嚴與自信。當我們今日穿梭於人文氣息濃厚的台北藝廊，或是追尋各大藏家一致首選的畫廊推薦展事時，常能在一幅幅充滿典雅氣息、光澤流轉的膠彩作品前駐足。這種將傳統工藝與現代女性主體意識完美融合的美學，正是陳進留給後世最寶貴的遺產。

生平：豪門才女與東渡求藝

陳進出生於新竹香山的豪門世家，優渥的家境讓她從小接受良好的教育。在私立台北女子高等學院就讀期間，她受教於鄉原古統，展現出驚人的繪畫天賦。1925 年，她遠赴日本考入東京女子美術學校（現女子美術大學），成為台灣第一位留日的女性畫家。

1927 年，年僅 20 歲的她與林玉山、郭雪湖共同入選首屆台展，被並稱為「台展三少年」。她在日本深受大正、昭和時期「美人畫」影響，師事鏑木清方與伊東深水，技術精湛。戰後她雖步入婚姻，卻從未放下畫筆，晚年更獲頒行政院文化獎。她的一生，就是一部台灣女性追求自我實現與藝術巔峰的史詩。

美術史地位：膠彩畫的台灣化與主體覺醒

在高度都市化與高密度生活節奏中，現代人長期處於喧囂與壓縮狀態，缺乏能沉澱身心的空間。本案正是在這樣的城市條件下誕生，選擇不與城市切割或對立，而是在日常生活中建立一段可被走入、被感受的精神轉換歷程。透過層層過渡的空間安排，引導人逐步進入內在安定狀態，重新定義當代道場作為公共精神場域的角色。
未來藝術與設計獎由英國環球藝術集團 (Global Arts Group) 主辦,誠摯歡迎來自各界的藝術家與設計師線上提交作品參賽。本獎項設有多個年齡層次與組別,讓不同背景與程度的創作者皆能展現才華。無論您是藝術學生、業餘愛好者、專業人士、自由工作者,或是隸屬於機構的創作者,我們都熱切期待您的參與。
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在操刀過許多高端住宅案場後，我常對業主說：「一個真正奢華的空間，絕不僅止於視覺上的堆砌，而在於那些看不見、卻深刻影響生活質感的細節。」石材的紋理與頂級木作固然賦予空間靈魂；然而，日常流淌於整座宅邸的「水」，才是決定生活品質的隱形關鍵。

特別是當案場位於台灣南部（如台中以南、台南、高雄等區域）水質硬度相對較高的區域時，「硬水」往往成為精緻裝潢與頂級廚衛設備的潛在殺手。南部地質富含碳酸鈣與碳酸鎂，水質偏硬，不僅容易在美輪美奐的衛浴空間留下難以清理的頑固水垢，更會在無形中縮短昂貴家電的壽命。因此，在規劃基礎水電系統時，我總會強烈建議業主將 3M VST 全戶式軟水機納入整體居家用水規劃。它不僅是淨水設備，更是藏在空間背後，默默提升空間美學與居住質感的隱形防線。

空間美學的守護者：向頑固水垢說再見
在浴室設計中，我們經常選用進口瓷磚、奢華的天然大理石，或極具現代感的啞光五金龍頭與極簡玻璃隔斷。然而在硬水區域，入住不到幾個月，業主往往會發現原本耀眼的龍頭蒙上白霧，透明玻璃變成了磨砂質地。

本案透過空間梳理與色彩語彙的轉化，重新詮釋居者與家的關係。團隊跳脫電視主牆作為場域重心的傳統思維，將展示機能納入立面規劃中，使藝術收藏自然融合日常生活。薄霧綠與淺色調共同鋪陳整體環境，自然光影依循玻璃窗傾瀉而入，勾勒輕盈柔和的居家環境，使住宅於歲月更迭間呈現嶄新樣貌。

致敬引領未來的卓越設計
靈感源自琪拉的故事及東京火花的重燃，日本東京設計獎旨在表彰卓越設計、前瞻理念，以及背後的非凡創意人才。這項國際設計盛事橫跨多個核心領域——從建築、室內、產品設計，到角色設計、流行設計及其他新興創意類別——全面展現全球設計的多元面貌與創新精神。
我們誠摯邀請來自世界各地的設計師、創意工作室與專業人士，提交能重新定義生活、空間及世界體驗的作品。無論是顛覆性的概念，或是足以載入設計史的成就，東京設計大獎皆是卓越創意被看見、被讚頌的榮耀舞台。

隨著建築與室內設計對安全、節能、視覺舒適度與智慧控制的要求持續提升，照明正在從單純提供亮度的設備，逐步成為建築空間的重要構成元素。深耕面光源與光膜天花技術的多晶彩光電科技（DJC），近年持續整合材料科學、光學設計、照明技術、智慧控制與工程工法，並以 AURORA™ 建築級光膜天花系統為核心，推動光膜天花由單一裝飾材料走向完整的建築級光環境系統。

多晶彩DJC表示，傳統市場對光膜天花的理解，往往集中在薄膜與LED燈具，但真正影響一套光膜系統長期品質的因素，還包括材料安全、光學距離、燈具溫度、散熱效率、結構穩定、電力配置、均光設計與施工工法。因此，DJC從產品開發初期即以「系統工程」思維建立產品架構，從前期規劃、照度與光學設計，到材料、燈具、結構、控制、施工及後續維護，形成完整的一站式解決方案。

目前AURORA™系統旗下包括 Aurora F1™專業建築級系列與 Aurora A1™旗艦建築級系列，並整合DJC自主開發的LT-LED低溫光學技術、6063-T5鋁合金結構、光學腔體與智慧控制系統。Aurora系列亦已建立涵蓋消防安全、電器安全、視覺舒適、材料耐候、聲學及健康環境等面向的驗證體系，並取得內政部「新材料、新技術、新工法」認可，進一步提升系統於商業空間、公共工程與大型建築中的應用條件。
不同於傳統照明以點光源燈具作為空間中的獨立設備，光膜天花透過大面積均勻面光源，使光源與天花、牆面及建築造型產生更完整的整合。搭配調整色溫、亮度與情境控制後，更可依照時間、空間用途及使用需求改變光環境，使照明從「開與關」進一步走向空間環境控制。

在研發端，多晶彩DJC持續投入材料、光學與照明系統整合，並針對密閉式光膜天花環境開發LT-LED低溫光學技術，以降低燈具長時間運作造成的熱負荷，同時兼顧均光、效率與系統耐久性。過去DJC亦已透過多項CNS及國際檢測建立材料與系統驗證基礎，並提供光膜最長10年保固，將品質管理從完工交付延伸至長期使用階段。

被譽為「前衛藝術教母」的傳奇雕塑家露易絲·布爾喬亞（Louise Bourgeois），創作生命橫跨整個 20 世紀。她的作品絕非為了裝飾而生，而是一場長達九十年的自我心理療癒。當我們穿梭於人文薈萃的台北藝廊，或是凝視各大當代展覽中那些張力十足的裝置時，總能深深感受到她將私密情緒物質化的強大感染力。

生平故事與童年的背叛

露易絲·布爾喬亞（1911–2010）出生於巴黎一個富裕的掛毯修復世家。她的童年看似優渥，實則埋下了終身難以癒合的創傷。她的父親極端權威且風流，將英文家教 Sadie 變成情婦，並讓其長期同住。這種母親隱忍、父親偽善、情婦侵入的畸形關係，成為她創作永恆的核心。

她最初在索邦大學攻讀數學，著迷於幾何學的穩定，但在母親過世後轉向藝術，試圖透過物質形塑來撫平混亂。1938 年她移居紐約，雖然與抽象表現主義創作者們交往，卻始終保持獨立且邊緣的姿態。

直到 70 歲後，布爾喬亞才真正大放異彩。1982 年，紐約現代藝術博物館（MoMA）為她舉辦了該館歷史上首場女性藝術家回顧展。此後三十年她迎來創作噴發期，直到 98 歲高齡辭世前，仍持續在工作室中對抗童年的幽靈。

在綿延數千年的藝術史中，繪畫始終依附著具體的「對象」──一尊神祇、一個人像或一片風景。然而，抽象化的誕生顛覆了這項法則：顏色、線條與形狀本身即具備強大的情感張力，無須再作為現實世界具象實體的附庸。

這就像是聆聽一段沒有歌詞、不模仿自然風雨聲的交響樂，純粹的音符與節奏卻能精準激起內心的悲歡。當今我們走入一間極具指標性的台北藝廊，或是依循資深藏家的畫廊推薦來到當代展廳，面對一幅沒有具體輪廓的畫作時，正是準備迎接這種如音樂般直接撥動心弦的視覺共振。

康丁斯基：熱抽象與內在的必然性

俄羅斯畫家康丁斯基（Wassily Kandinsky）被視為抽象畫的先驅。傳聞他某日回到畫室，被一幅靠在牆邊、散發奇妙美感的畫作深深吸引，端詳許久才驚覺，那竟是自己一幅倒放的寫生作品。

卸下日常步調，讓心境在乾爽中沉澱

假日的意義，從來不在於安排了多少行程，而是終於能將外在世界的喧囂徹底隔絕。當您踏入客廳，卸下整週累積的緊繃與疲倦，最渴望的不過是一處能讓心境乾爽著陸的庇護所。傳統布簾容易積聚毛屑與塵埃，而作為理想的寵物友善窗簾，MYT 百葉窗以細緻俐落的幾何結構，為您與愛寵築起了一道輕盈而安心的防線。

在濕氣瀰漫的季節裡，它優雅地隔絕了空氣中的潮意，任憑窗外風雨交加，室內依舊維持著如絲綢般乾爽與宜人的膚感。光滑高規的材質無懼毛孩的日常蹭抓與灰塵堆積，大幅簡化了繁瑣的日常維護。微微調整葉片的角度，清爽的微風順著精心設計的縫隙輕盈地遞進來，帶走了空間裡的沉悶與雜味，預告著一段與寵物共度的慵懶時光。

輕撥葉片角度，班馬線光影裡的慵懶嬉戲

在精心規劃的MYT 百葉窗中，日光從來不是刺眼的威脅，而是家中最奢侈的軟裝裝飾。當室外灑落著耀眼陽光，這扇懂光的百葉窗便能將強烈的直射光，淬鍊得極其柔和而細緻。

在當代藝術的璀璨星空中，草間彌生的名字代表著一種將個人深層創傷轉化為普世視覺能量的傳奇。當我們漫步於台北人文薈萃的台北藝廊，或是追尋各大指標性展覽的足跡時，總能在一幅幅充滿重複圖騰、鮮豔色彩與圓點張力的創作前，感受到她對抗命運的強悍意志。

對抗恐懼的創作與精神避難所

草間彌生（1929–）出生於日本長野縣松本市的一個富裕家庭，但她的童年卻是一場陰影。家庭內部關係極度緊張，母親性格嚴厲且暴力，並強迫年幼的草間去跟蹤有外遇行為的父親，這些經歷讓她對性與肉體產生了終身的恐懼與厭惡。

大約從 10 歲起，草間開始產生幻覺。她看見桌布上的紅色花紋蔓延到牆壁、地板，甚至攀爬上自己的身體，整個世界被無數的圓點與網紋所吞噬。在那 個對精神疾病缺乏認知的年代，母親認為這只是逃避家務的藉口並變本加厲地責罰。為了求生，草間拿起畫筆將這些令她恐懼的幻覺記錄下來。對她而言，創作不是為了美，而是為了「不自殺」。

在二十世紀初慘烈的戰火中，一場旨在顛覆傳統、嘲弄理性的藝術風暴橫空出世。當我們今日穿梭於人文氣息濃厚的東區藝廊，或是追尋各大藏家一致首選的畫廊推薦展事時，常能在一幅幅充滿異材質拼貼、現成品重組與觀念衝擊的作品前駐足。這種敢於挑戰美學邊界、將荒誕化為力量的思潮，正是深深重塑現代美學的達達主義。
發起年代與背景：戰壕歲月裡的憤怒咆哮
達達主義誕生於 1916 年的瑞士蘇黎世。當時第一次世界大戰正進行到最慘烈的階段，數百萬青年在戰壕中毫無意義地犧牲。在保持中立的瑞士，一群流亡的藝術家與詩人感到極度的絕望與憤怒：如果所謂「理性的文明」最終導向了慘絕人寰的殺戮，那麼「理性」就是謊言，基於理性的古典美學更是虛偽。他們決定用荒誕、胡鬧、不合邏輯的狂歡，來猛烈回擊這個瘋狂的世界。
命名由來：隨機的牙牙學語
關於「達達」（Dada）的命名有多種傳說，最著名的版本是：藝術家們在蘇黎世的伏爾泰酒館（Cabaret Voltaire），隨手拿出一把裁紙刀插進德法辭典裡，刀尖正好指向「Dada」。在法語中，這指的是「木馬」；而在德語中，這只是嬰兒無意義的牙牙學語。這個名字本身沒有任何含義，而這正是他們所追求的——「達達不代表任何東西」。